Aquellos maravillosos años

Blood, Sweat and Tears es uno de los discos conceptuales más interesantes de Johnny Cash en su etapa de Columbia. No gira alrededor del amor, la carretera o el forajido, sino del trabajador estadounidense: obreros, mineros, presos, ferroviarios, gente pobre y personajes de la tradición popular. El álbum incluye canciones sobre esfuerzo, explotación, pobreza y resistencia. En ese sentido, conecta con una parte muy importante del imaginario de Cash: su empatía por los marginados, los trabajadores duros y quienes viven al borde del sistema. El propio disco está documentado como una colección de canciones sobre el “American working man”.

Portrait of Sheila es el álbum debut de Sheila Jordan y una de las joyas más singulares del jazz vocal de comienzos de los sesenta. Publicado por Blue Note, un sello mucho más asociado al hard bop y al jazz instrumental, el disco destaca precisamente por su rareza dentro del catálogo: una vocalista de fraseo moderno, íntimo y profundamente influido por el bebop. Sheila Jordan no canta los standards de forma convencional. Su manera de interpretar está marcada por la libertad rítmica, el fraseo flexible y una conexión muy clara con el lenguaje de Charlie Parker. La voz no aparece solo como vehículo melódico, sino casi como un instrumento más dentro del grupo.

Don’t Play Me Cheap pertenece a la primera etapa discográfica de Ike & Tina Turner, antes de que el dúo alcanzara su sonido más explosivo y rockero de finales de los sesenta y primeros setenta. Es un disco interesante porque muestra a Tina Turner cuando todavía estaba creciendo dentro del circuito rhythm & blues, pero ya tenía una presencia vocal arrolladora. Don’t Play Me Cheap muestra una fase muy valiosa: la del grupo enraizado en el rhythm & blues de clubes, con una energía directa, áspera y muy poco domesticada.

The Barbra Streisand Album es el debut discográfico de Barbra Streisand y el disco que la presentó como una de las grandes voces estadounidenses de su generación. En un momento en el que el pop juvenil empezaba a cambiarlo todo, Streisand apareció desde otro lugar: el teatro musical, los clubes nocturnos, el repertorio clásico estadounidense y una manera de cantar muy expresiva, teatral y técnicamente impresionante. El álbum ganó el Grammy al Álbum del Año y también el de Mejor Interpretación Vocal Femenina, algo muy significativo para una artista que estaba empezando su carrera discográfica. No era un disco de rock ni de soul, pero tuvo un peso enorme dentro del pop vocal adulto de la época.

Monk’s Dream fue el primer álbum de Thelonious Monk para Columbia Records, un sello mucho más grande que sus anteriores discográficas. Eso ayudó a que su música llegara a un público más amplio y reforzó su posición como una de las figuras esenciales del jazz moderno. Monk ya era un músico muy respetado, pero también tenía fama de extraño, difícil y poco comercial. Este disco no suaviza del todo su personalidad, pero sí la presenta de una manera muy clara y accesible. Es Monk siendo Monk: melodías angulosas, silencios inesperados, acordes secos, humor, elegancia rara y un sentido del ritmo. En 1963, su fichaje por Columbia supuso una especie de reconocimiento oficial. El gran público empezó a verlo no solo como un pianista excéntrico, sino como un compositor fundamental. Ese mismo año, su figura ganaría todavía más visibilidad, y en 1964 llegaría incluso a aparecer en la portada de Time, algo rarísimo para un músico de jazz.absolutamente personal.

Publicado en plena explosión de la Beatlemania en Reino Unido, capturó la energía inicial del grupo casi como si fuera una actuación en directo de club, pero ya con un repertorio capaz de cambiar el pop británico. Lo más sorprendente es que la mayor parte del álbum se grabó en una sola jornada, el 11 de febrero de 1963, con The Beatles trabajando prácticamente como una banda de directo: pocas tomas, mucha urgencia y una energía muy física. El resultado es un disco fresco, juvenil y directo, donde todavía conviven el rock & roll aprendido de Estados Unidos, el rhythm & blues, las armonías vocales y las primeras grandes canciones de Lennon y McCartney.

Surfin’ U.S.A. es el disco que consolidó a The Beach Boys como la gran banda del imaginario juvenil californiano. Si su debut de 1962 ya los había situado en el mapa, este segundo álbum los convirtió en una de las caras más visibles del surf rock y del pop adolescente estadounidense. El tema titular, “Surfin’ U.S.A.”, fue un éxito enorme y funciona casi como un manifiesto: playas, tablas, sol, juventud y una América idealizada vista desde la costa oeste. Musicalmente, la canción toma como base el espíritu del rock & roll de Chuck Berry, pero lo transforma en himno surf gracias a las armonías vocales del grupo y a la mitología californiana que empezaban a construir. Antes de que The Beatles arrasaran en América, The Beach Boys eran una de las bandas jóvenes más importantes del país. Representaban una versión luminosa y escapista de la juventud: coches, surf, chicas, verano y libertad.

El álbum captura a Gordon en un momento muy especial: instalado en Europa y rodeado de músicos de enorme peso histórico dentro del bebop. El disco reúne a Dexter Gordon al saxo tenor con Bud Powell al piano, Pierre Michelot al contrabajo y Kenny Clarke a la batería. Esa formación le da al álbum un valor añadido: no es solo un buen disco de saxo tenor, sino también un encuentro entre varias figuras esenciales del jazz moderno. A comienzos de los años sesenta, muchos músicos estadounidenses de jazz encontraron en Europa un espacio más amable para vivir y tocar. París y Copenhague se convirtieron en refugios importantes para artistas que en Estados Unidos sufrían racismo, precariedad o falta de reconocimiento.

It’s Too Late es el primer álbum de Wilson Pickett como solista y una pieza interesante para entender sus comienzos antes de convertirse en una de las grandes voces del soul sureño. Todavía no estamos ante el Pickett incendiario de Atlantic, Stax y Muscle Shoals, pero ya aparece una voz áspera, urgente y profundamente marcada por el gospel. El disco captura una etapa de transición entre el rhythm & blues de finales de los cincuenta, el doo-wop, el gospel y el soul que estaba tomando forma en los primeros sesenta. No es su obra más famosa ni la más influyente, pero sí tiene valor histórico porque muestra a Pickett antes de su salto definitivo.

Recorded Live: The 12 Year Old Genius es el disco que convirtió a Stevie Wonder en una estrella nacional. Publicado cuando todavía era presentado como “Little Stevie Wonder”, captura la energía de un niño prodigio capaz de cantar, tocar la armónica, el órgano y la percusión con una naturalidad sorprendente. El álbum es especialmente importante porque incluye “Fingertips”, la canción que, en su versión editada como single en dos partes, se convirtió en un enorme éxito. “Fingertips Pt. 2” llegó al número 1 en Estados Unidos y convirtió a Stevie Wonder en el artista más joven en alcanzar la cima del Billboard Hot 100.

Live at the Apollo es uno de los grandes discos en directo de la historia de la música popular. En una época en la que los álbumes en vivo no solían considerarse apuestas comerciales seguras, James Brown insistió en grabar su actuación en el mítico Apollo Theater de Harlem. Su discográfica no estaba convencida, así que Brown llegó a financiar parte del proyecto de su propio bolsillo. El resultado fue una explosión de energía, precisión y carisma. El disco capturó lo que hacía único a James Brown sobre un escenario: una mezcla de cantante, predicador, showman, director de banda y atleta emocional. No es solo un concierto grabado: es una demostración de poder escénico. A comienzos de los años sesenta, James Brown ya era una figura importante del rhythm & blues, pero todavía no había alcanzado el estatus de leyenda absoluta que tendría después. Live at the Apollo fue clave para llevarlo a otro nivel. El disco apareció en un momento en el que el soul afroamericano estaba creciendo con fuerza, junto al empuje de sellos como Motown, Stax y Atlantic. Pero Brown iba por otro camino: menos pulido, más físico, más urgente. Mientras otros buscaban cruzar al público pop blanco con producciones elegantes, Brown apostaba por capturar la intensidad cruda de su directo.

The Freewheelin’ Bob Dylan es el disco que convirtió a Bob Dylan en mucho más que una promesa del circuito folk de Greenwich Village. Su debut de 1962 había pasado bastante desapercibido, pero este segundo álbum mostró a un Dylan ya plenamente reconocible como autor: irónico, político, poético, incómodo y profundamente moderno. El disco contiene algunas de sus canciones más decisivas, como “Blowin’ in the Wind”, “A Hard Rain’s a-Gonna Fall”, “Don’t Think Twice, It’s All Right” y “Girl from the North Country”. Once de las trece canciones del álbum son composiciones propias de Dylan, algo fundamental para entender su impacto: ya no era solo un cantante folk que interpretaba canciones tradicionales, sino un compositor capaz de transformar la canción popular en literatura, crónica social y declaración generacional. Dylan fue rápidamente etiquetado como “la voz de una generación”, aunque él siempre rechazó esa carga. Aun así, este disco ayudó a definir la figura del cantautor moderno: alguien que no solo entretiene, sino que observa, pregunta, denuncia y deja preguntas abiertas.

Impressions es uno de los discos clave de John Coltrane en su etapa de búsqueda espiritual y expansión modal. No es un álbum concebido como una sesión única, sino una recopilación de grabaciones de distintos momentos, pero funciona como una fotografía perfecta del Coltrane que estaba rompiendo los límites del jazz tradicional. El tema titular, “Impressions”, es una de sus composiciones más famosas. Está construido sobre una estructura modal que permite largas improvisaciones, intensidad creciente y una sensación casi hipnótica. Es Coltrane llevando el lenguaje de My Favorite Things y el jazz modal hacia un terreno más libre, físico y espiritual.

John Coltrane and Johnny Hartman es uno de los discos más elegantes y sorprendentes de la carrera de Coltrane. Frente al Coltrane más intenso y explorador de Impressions, aquí aparece en un registro completamente distinto: contenido, melódico, cálido y profundamente lírico. El protagonista vocal es Johnny Hartman, cantante de voz grave, aterciopelada y enorme sentido del fraseo. Coltrane no intenta competir con él; lo envuelve, lo responde y crea un clima nocturno de una belleza extraordinaria. Es un álbum breve, concentrado y perfecto en su intención.

The Black Saint and the Sinner Lady es uno de los discos más ambiciosos, intensos y personales de Charles Mingus. Aunque Mingus combina jazz, blues, música clásica contemporánea, flamenco, gospel, big band y vanguardia. El resultado es un disco dramático, turbulento, sensual y espiritual, donde la música parece avanzar como una especie de ballet imaginario. No es un disco fácil ni ligero, pero sí uno de los más poderosos de su época. En 1963, el jazz vivía una etapa de enorme transformación. Miles Davis, John Coltrane, Ornette Coleman, Thelonious Monk y otros músicos estaban llevando el género hacia terrenos cada vez más abiertos. Mingus, por su parte, seguía un camino propio: no era exactamente hard bop, ni free jazz, ni jazz clásico, sino una mezcla feroz de composición sofisticada e improvisación emocional.

Seven Steps to Heaven es uno de los discos más importantes de Miles Davis en los años sesenta porque marca el paso entre dos etapas fundamentales: la época posterior a Kind of Blue y el nacimiento del sonido que desembocaría en su segundo gran quinteto. No es un disco tan revolucionario como Kind of Blue, ni tan arriesgado como los trabajos que Miles haría después con Wayne Shorter, Herbie Hancock, Ron Carter y Tony Williams, pero precisamente por eso es tan interesante: muestra a Miles en plena reconstrucción de su grupo y de su lenguaje. El álbum combina baladas elegantes con temas más vivos y modernos. En algunas piezas todavía se escucha al Miles más clásico y contenido; en otras aparece ya una sección rítmica joven, flexible y con ganas de empujar el jazz hacia adelante.

ngredients in a Recipe for Soul es uno de los discos importantes de Ray Charles en su etapa de ABC-Paramount. No tiene el impacto revolucionario de sus grabaciones pioneras de los años cincuenta ni el golpe histórico de Modern Sounds in Country and Western Music de 1962, pero muestra muy bien al Ray Charles maduro de comienzos de los sesenta. El álbum mezcla soul, blues, jazz vocal, pop orquestal y ecos de country soul. Ray Charles ya había demostrado que podía romper las fronteras entre la música negra y blanca estadounidense, entre el rhythm & blues y el country, entre el gospel y el pop. En este disco sigue explorando esa amplitud con una voz absolutamente reconocible y unos arreglos muy cuidados.

Night Beat es uno de los discos más íntimos y elegantes de Sam Cooke. Frente a algunas de sus producciones más orientadas al público pop, aquí Cooke aparece en un formato mucho más desnudo, nocturno y cercano al blues. No es el Sam Cooke más comercial, sino uno de los más profundos. El álbum se grabó en sesiones nocturnas en Hollywood con una banda pequeña y muy fina. Esa atmósfera de madrugada se nota en todo el disco: canciones lentas, interpretación contenida, mucho espacio entre los instrumentos y una voz que parece estar cantando a pocos metros del oyente.

Surfer Girl marca un paso decisivo en la historia de The Beach Boys. Es el primer álbum del grupo producido oficialmente por Brian Wilson, algo fundamental para entender todo lo que vendría después. Aquí Brian empieza a tomar el control del sonido de la banda, de los arreglos vocales y de la personalidad musical del grupo. Hasta entonces, The Beach Boys estaban muy asociados al surf, los coches y la cultura juvenil californiana. En Surfer Girl eso sigue presente, pero aparece algo más profundo: una sensibilidad melódica más delicada, armonías vocales más cuidadas y una ambición pop que anticipa al Brian Wilson de Pet Sounds. Aunque Surfin’ U.S.A. fue más explosivo comercialmente, Surfer Girl es probablemente el disco más importante de The Beach Boys en 1963 por lo que supone en la evolución artística de Brian Wilson. Mientras en Reino Unido explotaba la Beatlemania y Bob Dylan convertía el folk en canción de autor moderna, The Beach Boys estaban construyendo el gran imaginario pop estadounidense de la costa oeste.

With the Beatles es el segundo álbum de The Beatles y confirma que la Beatlemania no era un fenómeno pasajero. Publicado apenas ocho meses después de Please Please Me, muestra a una banda más segura, más poderosa y con un sonido algo más compacto El disco mantiene la mezcla de composiciones propias y versiones, pero el grupo ya suena con mayor personalidad. Lennon y McCartney siguen creciendo como autores, George Harrison firma su primera canción propia publicada por The Beatles, “Don’t Bother Me”, y la banda demuestra que podía absorber rock & roll, Motown, soul, girl groups y rhythm & blues sin perder su identidad.

“Bring a Little Lovin’” fue uno de los temas españoles con mayor eco internacional del momento. El single alcanzó el n.º 51 del Billboard Hot 100 en Estados Unidos, el n.º 22 en Canadá y el n.º 2 en España, algo muy serio para una banda española de la época. También es importante porque confirma a Los Bravos como uno de los pocos grupos españoles de los 60 capaces de jugar en la liga internacional del pop-rock cantando en inglés y sonando competitivos fuera de España. Ese fue precisamente su rasgo diferencial dentro del panorama español del momento. Y además arrastra una pequeña segunda vida mítica: décadas después, Quentin Tarantino recuperó la canción para Once Upon a Time in Hollywood, lo que volvió a poner a Los Bravos delante de muchísima gente que no los conocía.

Lo más importante de Gris-Gris es que fue el álbum con el que Mac Rebennack presentó por primera vez el personaje de Dr. John, inspirado en la figura legendaria de un supuesto curandero o “doctor” vudú del siglo XIX de Nueva Orleans. También es un disco clave porque mezcla de una forma muy rara y muy adelantada a su tiempo R&B de Nueva Orleans, swamp blues, funk psicodélico y atmósferas casi rituales. La propia ficha del álbum lo define como una mezcla de tradición de Nueva Orleans y psicodelia

Suele verse como uno de los discos que terminaron de coronar a Aretha como la gran reina del soul. Fue un éxito enorme: llegó al nº 1 de la lista R&B de Billboard durante 16 semanas y alcanzó el nº 2 del Billboard 200, una barbaridad para un disco de soul en aquel momento. Destaca además la presencia de colaboradores como Eric Clapton, Bobby Womack, Cissy Houston y The Sweet Inspirations en torno a esas sesiones. con Lady Soul quedó definitivamente convertida en una figura central de la música popular estadounidense

Fue el debut de Steppenwolf y el disco que lanzó al grupo al primer plano gracias a “Born to Be Wild”, uno de los himnos absolutos del rock de finales de los 60. También es un disco clave porque “Born to Be Wild” quedó asociado para siempre a la cultura motera y contracultural, y tanto esa canción como “The Pusher” fueron utilizadas en la película Easy Rider de 1969, lo que disparó todavía más la leyenda del álbum. Este disco suele colocarse entre los trabajos que ayudaron a empujar el rock desde el blues psicodélico hacia un sonido más duro, pesado y musculoso, muy cerca ya de lo que luego se llamaría hard rock

Fue el disco con el que The Velvet Underground se volvió todavía más extremo: más ruido, más distorsión, más sordidez y menos concesiones, hasta el punto de que hoy suele considerarse una obra fundamental del proto-punk, el noise rock y el rock experimental. Fue el último disco de estudio con John Cale dentro de la banda, un detalle enorme si se piensa en el peso que tuvo su visión vanguardista en el sonido más violento y desquiciado del grupo. La propia historia del álbum lo sitúa además ya fuera de la órbita directa de Andy Warhol, con Tom Wilson en la producción. Otro rasgo decisivo es su contenido: letras sobre drogas, sexo y personajes marginales, y una forma de tocar deliberadamente cruda, rápida y saturada. fue un álbum incómodo para la época y mucho más influyente después que exitoso en su momento

Fue el primer gran álbum póstumo de Otis Redding y quedó inevitablemente unido a su muerte en el accidente de avión del 10 de diciembre de 1967, apenas dos meses antes de su publicación. De hecho, sus últimas grabaciones quedaron terminadas solo unos días antes de morir. El single "(Sittin’ On) The Dock of the Bay" se convirtió en el primer número 1 póstumo en Estados Unidos, algo que agrandó todavía más su leyenda

Album que mezcló pop, soul, góspel, jazz que con el tiempo se convirtió en un disco reverenciado por músicos y crítica, y acabó entrando en listas históricas de grandes álbumes

Fue uno de los discos más afilados y provocadores de 1968: una sátira feroz de la contracultura hippie, la política de derechas e izquierdas, la industria del rock y la cultura juvenil estadounidense. No iba de subirse al carro del momento, sino de reírse de casi todos los que iban montados en él Otro detalle mítico es su portada, concebida como una parodia directa de Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band de los Beatles, uno de los gestos visuales más famosos y corrosivos del rock de los 60

Lo más importante de este álbum es que hoy se considera una de las obras más pioneras en la mezcla de rock, psicodelia, electrónica y vanguardia de finales de los 60. La documentación sobre el grupo y el disco destaca precisamente eso: el uso muy temprano de dispositivos electrónicos y composición experimental dentro de un contexto rock. También es clave porque no era una banda psicodélica “normal”: el proyecto de Joseph Byrd y Dorothy Moskowitz incorporaba osciladores, collage sonoro, tratamiento electrónico de instrumentos y voz, y una fuerte influencia de la música contemporánea y la avant-garde. En su momento no fue un gran éxito: recibió atención limitada y solo llegó al n.º 181 del Billboard 200. Poco después de su lanzamiento, el grupo se rompió por conflictos internos. Parte grande de su leyenda viene de ahí: fue un disco adelantado a su tiempo, más influyente después que exitoso en 1968

Está considerado uno de los grandes discos del acid folk y uno de los trabajos más imaginativos y extraños de 1968. El álbum llevó mucho más lejos lo que la banda ya había empezado a explorar antes: folk británico, psicodelia, instrumentos exóticos, letras visionarias y una libertad total de formas

En conjunto, A Portrait of Ray no suele citarse entre sus obras monumentales del nivel de Modern Sounds in Country and Western Music, pero sí como una muy buena muestra de su versatilidad tardosesentera, moviéndose entre soul, pop, estándares y relecturas personales

La cara A está planteada casi como un álbum conceptual sobre el paso de la vida, desde la juventud hasta la vejez, mientras que la cara B reúne temas más sueltos, varios de ellos ligados al universo de The Graduate. Bookends fue el primer número 1 del dúo en las listas de álbumes tanto en Estados Unidos como en Reino Unido, consolidando su estatus como una de las grandes parejas musicales del momento

Lo más importante de I Got the Feelin’ es que captura a James Brown en pleno momento de mutación hacia el funk moderno. La propia ficha del álbum lo clasifica ya directamente dentro del funk, y eso se nota en el peso del ritmo, los metales y el groove cortante que Brown venía afilando en esos años. Otro detalle importante es que el disco reúne a una barbaridad de músicos ligados al universo James Brown, con nombres como Maceo Parker, Pee Wee Ellis, Jimmy Nolen, Clyde Stubblefield y Jabo Starks, es decir, parte del núcleo duro que ayudó a definir el sonido más demoledor de Brown en directo y en estudio

Fue el disco que puso de verdad a Sly & The Family Stone en el mapa y ayudó a popularizar el sonido que luego se identificaría como psychedelic soul, además de sentar bases clarísimas para el desarrollo posterior del funk. En perspectiva, es uno de esos discos que quizá no siempre se cita tanto como Stand!, pero sin él no se entiende todo lo que vino después

Lo más importante de I’m in Love es que forma parte del período más fuerte de Wilson Pickett en Atlantic, cuando estaba encadenando soul sureño de altísimo nivel con gran presencia en listas. También es clave por el tema titular, “I’m in Love”, escrito por Bobby Womack. La versión de Pickett fue la primera en grabarse y se convirtió en un éxito importante, alcanzando el n.º 4 en la lista R&B y el n.º 45 en el Hot 100

Lo más importante de Odessey and Oracle es que hoy está considerado la gran obra maestra de The Zombies y uno de los discos más admirados del pop psicodélico y barroco de los 60, aunque en su salida original pasó bastante desapercibido. La banda incluso se separó silenciosamente después de su mala acogida inicial. También es un disco mítico porque “Time of the Season” no explotó hasta 1969, cuando se publicó como single en EE. UU. por recomendación de Al Kooper. Ese éxito tardío hizo que el álbum tuviera una segunda vida y acabara entrando en listas estadounidenses, llegando al n.º 95. Otro detalle importante es que el grupo financió las sesiones por su cuenta después de haber sido descartado por Decca, y grabó con mucha libertad creativa. Esa independencia se nota en el sonido: arreglos vocales finísimos, armonías muy trabajadas, teclados elegantes y un tono melancólico que lo distingue bastante del colorido psicodélico más tópico de la época

Fue el gran disco de resurrección de Johnny Cash. Esa grabación en vivo dentro de una prisión real, ante unos 2.000 presos en California no fue un simple truco: reforzó la imagen de Cash como una figura cercana a los marginados y conectó de lleno con el tono humano y áspero de su repertorio. La interpretación de “Greystone Chapel”, canción escrita por el preso Glen Sherley, añadió todavía más carga simbólica al álbum

Lo más importante de The Papas & the Mamas es que fue el disco de una banda ya bastante rota por dentro. Se terminó cuando John Phillips y Cass Elliot se reconciliaron lo suficiente como para acabar el álbum, y hoy se suele ver como un retrato de un grupo brillante pero agotado. También es significativo porque fue el primer álbum del grupo que no llegó ni al top 10 en EE. UU. ni obtuvo disco de oro, algo que marca bastante bien el momento de desgaste comercial y personal que vivían. Aun así, alcanzó el n.º 15 en la lista estadounidense

Fue el único álbum conceptual de Small Faces y también el último álbum de estudio de su formación original. Además, fue un éxito enorme en Reino Unido: llegó al número 1 y se quedó allí seis semanas. También arrastra mucha leyenda por su presentación visual: el título y el diseño del envase eran una parodia de Ogden’s Nut-brown Flake, una marca de tabaco en lata, y el disco salió con una cubierta redonda muy llamativa, una de las más recordadas de la psicodelia británica. A nivel musical, el álbum captura muy bien esa mezcla tan suya de mod, pop psicodélico, music hall británico y rock imaginativo. La segunda cara, con la historia de Happiness Stan, refuerza ese carácter de disco-narración tan de finales de los 60. Esto se apoya en que está descrito como álbum conceptual y en su estructura conocida por caras

Akbum debut que incluye “Suzie Q”, el primer gran hit del grupo, que llegó al n.º 11 en Estados Unidos. Esa canción fue decisiva para poner a Creedence en el mapa y abrió la puerta a todo lo que vendría en 1969. Aunque el disco todavía mezcla versiones y originales, ya deja ver claramente a John Fogerty tomando el control artístico del grupo como cantante, guitarrista, compositor y productor. La propia documentación del álbum remarca que ahí empezó a definirse ese liderazgo creativo que marcaría toda la carrera de la banda. el álbum se percibe hoy como un debut algo a contracorriente para 1968: mientras gran parte del rock estaba disparada hacia la psicodelia más recargada, Creedence sonaba más seca, más pantanosa, más americana y más pegada al rhythm & blues y al rock and roll clásico

Lo más importante de Silver Apples es que hoy se considera una obra pionera en la fusión entre rock y música electrónica. La documentación disponible lo describe directamente así, y esa es la razón principal por la que sigue apareciendo en cualquier conversación seria sobre los discos más adelantados a su tiempo de finales de los 60. También es un disco muy singular porque Silver Apples no funcionaba como una banda de rock convencional: el dúo estaba formado por Simeon y Danny Taylor, y el sonido se apoyaba en los osciladores construidos y adaptados por Simeon junto a una batería muy física y repetitiva. Eso hizo que su propuesta sonara rarísima para 1968

Fue un bombazo comercial enorme y el disco que convirtió a Iron Butterfly en una referencia básica del rock pesado de finales de los 60. El álbum llegó al n.º 4 del Billboard 200 y más tarde fue certificado 4× platino en Estados Unidos. Su gran mito, claro, es la canción titular, una composición de algo más de 17 minutos que ocupa toda la cara B del LP. Ese tema se convirtió en una de las piezas más famosas de la psicodelia dura y del proto-metal, con un larguísimo desarrollo instrumental y un muy recordado solo de batería de Ron Bushy. Es un disco clave porque suele citarse como uno de los trabajos que abrieron camino al hard rock y al heavy metal. Incluso la propia historia del grupo suele resumirse alrededor de este álbum y de su sonido más oscuro, pesado e hipnótico

Fue uno de los grandes bombazos de 1968 porque convirtió a Cream en una potencia todavía mayor y se recuerda como el primer doble álbum en obtener certificación de platino. Suele citarse como una de las cumbres del blues rock pesado de finales de los 60, con un pie en la psicodelia y otro ya casi en el hard rock

Apenas unos meses después de Lady Soul, volvió con otro disco enorme que llegó al n.º 3 del Billboard 200, al n.º 1 en la lista R&B y se convirtió rápidamente en disco de oro

Está considerado uno de los discos clave del tropicalismo y una de las obras más innovadoras de la música brasileña de los 60. Mezcla rock psicodélico británico y estadounidense con samba, baião, candomblé y un uso muy libre del estudio. Os Mutantes estaban en pleno corazón del movimiento tropicalista ese año, colaborando con figuras como Caetano Veloso y Gilberto Gil. Esa conexión ayuda a explicar por qué el disco no fue solo una rareza psicodélica, sino también una pieza cultural muy potente dentro del Brasil de 1968

Fue el último álbum de estudio de John Mayall en llevar el nombre “Bluesbreakers”. También fue su primer disco con verdadero impacto en Estados Unidos, donde alcanzó el n.º 59 del Billboard 200. El álbum muestra una evolución muy clara del sonido de Mayall hacia un terreno con más influencias de jazz rock, algo que se aprecia también en la formación: Mick Taylor a la guitarra, Dick Heckstall-Smith y Chris Mercer a los saxos, Jon Hiseman a la batería, Henry Lowther en corneta y violín, y Tony Reeves al bajo

Fue un disco muy a contracorriente de 1968: mientras gran parte del rock iba hacia lo grandilocuente, aquí The Beach Boys entregaron un álbum breve, calmado, íntimo y casi doméstico, con toques de pop orquestal, vals, bossa nova y lounge. También es clave porque refleja de forma muy clara la influencia de la etapa del grupo alrededor de Maharishi Mahesh Yogi y la meditación trascendental; varias canciones nacieron directamente de ese clima espiritual. Otro detalle importante es que fue el primer álbum del grupo en incluir composiciones de Dennis Wilson y el primero mezclado y publicado exclusivamente en verdadero estéreo. Además, aunque el crédito de producción fue para toda la banda, Brian Wilson llegó a describirlo más tarde como su segundo “álbum en solitario no oficial” tras Pet Sounds

Consolidó la transformación de The Moody Blues hacia un sonido mucho más psicodélico, ambicioso y cercano al rock progresivo

Lo más significativo del disco es que ya se aleja del pop psicodélico más “canción” del debut y se mete en algo más espacial, experimental y extraño. Además, incluye la pieza larga “A Saucerful of Secrets” y temas clave como “Set the Controls for the Heart of the Sun” y “Jugband Blues”, esta última la despedida más simbólica de Syd Barrett dentro del grupo.

En plena era psicodélica, The Band apareció con un sonido mucho más terrenal, orgánico y de raíces, mezclando country, folk, blues, soul y rock de una manera que influyó muchísimo en lo que vino después. Y aunque en su momento no fue un bombazo masivo de singles, con el tiempo se convirtió en un álbum fundacional del rock americano moderno

Muestra a la Butterfield Blues Band alejándose todavía más de sus raíces de blues de Chicago para abrazar un sonido más soul, R&B y con protagonismo de metales. También es un disco clave porque Paul Butterfield solo canta en tres temas, dejando más espacio a otras voces y composiciones dentro del grupo, algo poco habitual en etapas anteriores

Fue el disco más exitoso comercialmente de The Doors: llegó al número 1 y se mantuvo cuatro semanas en la cima del Billboard 200. Aunque el disco se llama Waiting for the Sun, la canción “Waiting for the Sun” no aparece en este álbum; acabó saliendo más tarde en Morrison Hotel en 1970

So Fine es que fue el primer álbum que Ike & Tina publicaron en el sello Pompeii, y también el primer lanzamiento de ese sello. Eso ya le da un pequeño peso histórico dentro de su discografía

Fue el disco con el que Grateful Dead decidió romper el formato clásico del álbum de rock. En lugar de grabar canciones cerradas de forma convencional, el grupo mezcló fragmentos de estudio y directo para construir piezas nuevas, casi como un collage psicodélico. Suele verse como uno de los primeros grandes intentos de trasladar al vinilo la experiencia lisérgica y expansiva de una banda en directo. La propia descripción histórica del disco explica que Jerry Garcia, Phil Lesh y el técnico Dan Healy trabajaron ese montaje híbrido para crear algo que no fuera ni un álbum puramente en vivo ni uno puramente de estudio. David Hassinger acabó abandonando el proyecto frustrado por el nivel de experimentación del grupo, que buscaba efectos y atmósferas cada vez más raros. Precisamente por eso el disco quedó como una especie de manifiesto de que los Dead no querían sonar “correctos”, sino abrir una puerta a algo mucho más extraño. En lo comercial no fue un bombazo, pero con el tiempo se convirtió en uno de los discos más reverenciados de la primera etapa del grupo y en una piedra clave del rock psicodélico más aventurero

uele verse como uno de los discos de transición decisivos en la carrera de Miles Davis: todavía conserva mucho del lenguaje de su segundo gran quinteto, pero ya apunta claramente hacia su etapa eléctrica y hacia el nacimiento del jazz fusion. El gran detalle simbólico está en los instrumentos: en “Stuff”, Herbie Hancock toca piano eléctrico y Ron Carter usa bajo eléctrico, mientras que en “Paraphernalia” aparece George Benson a la guitarra eléctrica. Eso hace que el disco suene como el momento exacto en que Miles empieza a abrir la puerta a otro mundo. También tiene mucho peso histórico porque fue el último álbum completo de estudio de Miles con la formación clásica de su Second Great Quintet: Wayne Shorter, Herbie Hancock, Ron Carter y Tony Williams. Por eso el disco vale tanto como despedida de una era como por anuncio de la siguiente. Además, frente al post-bop más puramente acústico de Nefertiti, aquí las composiciones son más largas, abiertas y orientadas al groove, con ritmos más directos y una sensación menos abstracta, más física, casi ya coqueteando con el rock.

Lo más importante de Truth es que está considerado uno de los discos que ayudaron a empujar el blues rock hacia un sonido mucho más duro, pesado y cercano al hard rock, y retrospectivamente se cita incluso como una de las obras tempranas más importantes en la prehistoria del heavy metal. También es clave porque presentó en gran formato a la primera gran encarnación del Jeff Beck Group, con Rod Stewart a la voz y Ronnie Wood en bajo y guitarra, una alineación que con el tiempo se volvió mítica. El álbum además llegó al n.º 15 del Billboard Top LPs en EE. UU

Lo más importante es que fue un disco de despedida: cuando salió, la banda ya estaba prácticamente disuelta, y el álbum se armó a partir de sesiones dispersas grabadas entre 1967 y marzo de 1968 para cumplir el último compromiso con la discográfica. Lo produjeron y terminaron sobre todo Jim Messina y Richie Furay. También es relevante porque funciona casi como una foto del grupo rompiéndose mientras ya nacían sus futuros caminos: Stephen Stills estaba camino de Crosby, Stills & Nash, y Richie Furay, Jim Messina y Rusty Young estaban entrando en lo que sería Poco

Fue el gran estallido definitivo de Janis Joplin ante el gran público. Muchísima gente lo tomó por un álbum en directo, pero en realidad casi todo está grabado en estudio. El productor John Simon añadió ruidos de público para darle ese aire de concierto sudoroso y desmadrado; de hecho, solo “Ball and Chain” fue realmente grabada en vivo. Fue el último álbum de Big Brother con Janis Joplin antes de que ella dejara el grupo para iniciar su carrera en solitario. Arrastra mucha leyenda por su portada, dibujada por el historietista underground Robert Crumb. La idea inicial de otra cubierta fue vetada por Columbia, Joplin insistió en usar la ilustración de Crumb en el frontal, y esa portada acabó convertida en una de las más icónicas del rock de finales de los 60

El álbum sigue siendo plenamente psicodélico, pero empuja más hacia el acid rock y hacia letras con un tono más inquietante. Otro detalle muy significativo es su portada, con una imagen de explosión nuclear, que refuerza perfectamente ese aire de fin de era y de mundo al borde del estallido. Y el repertorio también va por ahí: temas como “The House at Pooneil Corners” suenan casi como el cierre abrasado del sueño psicodélico

Está considerado de forma muy amplia como uno de los discos fundacionales del country rock. Los Byrds venían de la psicodelia y aquí se lanzaron hacia un repertorio mucho más pegado a la tradición country, con la influencia decisiva de Gram Parsons, que se incorporó al grupo durante esa etapa y empujó claramente ese cambio de dirección

Consolidó el sonido tan particular del grupo, mezclando folk rock, psicodelia, jazz, soul y un punto pastoral británico en una fórmula muy distinta a la de casi cualquiera en 1968

Fue el disco con el que Beefheart empujó su blues raro hacia una psicodelia mucho más retorcida y desquiciada, dejando una de las obras más extrañas del 68. Bob Krasnow añadió efectos de phasing y reverberación en la mezcla final, y Beefheart renegó después de ese tratamiento. Eso hace que el disco sea importante no solo por las canciones, sino también por esa tensión entre la visión del artista y el acabado psicodélico que terminó saliendo

Fue su disco más exitoso comercialmente y el único que llegó al número 1 en Estados Unidos. Muestra a Hendrix ya no solo como guitarrista descomunal, sino como auténtico arquitecto de estudio. El álbum está marcado por su perfeccionismo extremo, sus experimentos con capas, texturas y mezclas, y por una grabación bastante caótica que incluso acabó tensando su relación con Chas Chandler. Mezcla psicodelia, blues rock, hard rock, funk y soul psicodélico con una libertad total

Aquí Nico se fue a un terreno muchísimo más oscuro, austero y vanguardista, apoyándose en su armonio, su voz grave y los arreglos de John Cale inspirados por la música clásica moderna. Hoy se considera una obra pionera del avant-rock, del dark folk y de cierta sensibilidad gótica antes de que existieran esas etiquetas

Lo más importante de este álbum es que hoy está considerado una obra maestra absoluta, pero en su momento fue un fracaso comercial relativo: no entró en listas ni en Reino Unido ni en Estados Unidos. Con el tiempo, justo esa condición de disco incomprendido ayudó a convertirlo en una pieza de culto gigantesca. También es clave porque suele verse como uno de los primeros grandes discos con aire de álbum conceptual. Todo gira alrededor de la nostalgia, la memoria, la vida inglesa tradicional y la resistencia sentimental frente a la modernización. Es menos un disco de himnos inmediatos y más una postal extraña, melancólica y muy británica de un mundo que se estaba escapando. Este disco consolidó la transformación de The Kinks: de banda de hits pop de mediados de los 60 a grupo más venerado por la crítica que por las ventas. En Estados Unidos, su recepción por parte de la prensa underground fue decisiva para cimentar esa reputación de banda de culto

Fue el único doble álbum de estudio de los Beatles publicado durante la vida del grupo, y uno de los trabajos más ambiciosos y desbordantes de toda su carrera. Aquí conviven rock, folk, blues, pop, proto-metal, música experimental y hasta piezas casi acústicas o de collage sonoro. Es el disco donde los Beatles parecen cuatro genios compartiendo espacio, a veces unidos y a veces ya tirando cada uno por su lado. Eso forma parte de su leyenda

Lo más importante de Astral Weeks es que fue una ruptura radical con el Van Morrison más cercano al pop de “Brown Eyed Girl”. Aquí se metió de lleno en una mezcla muy poco convencional de folk, blues, jazz y música de cámara, creando un disco que sigue sonando único incluso hoy. También es un álbum mítico porque se grabó en solo tres jornadas y con músicos de fuerte formación jazzística, algo que ayudó a darle esa sensación tan libre, flotante e improvisada. Parte de su magia está justo ahí: parece un disco improvisado y, al mismo tiempo, profundamente espiritual y literario

Este especial supuso el gran renacimiento artístico de Elvis. Después de años muy centrado en películas y lejos del directo, el programa lo devolvió al primer plano y relanzó su carrera. mezcló grandes números escénicos con las famosas actuaciones “sit-down” y “stand-up”, donde Elvis aparece mucho más crudo, cercano y rockero, vestido con su icónico traje negro de cuero. Ese contraste fue clave para que el especial se convirtiera en leyenda. Y el gran cierre emocional fue “If I Can Dream”, una canción concebida en el clima de conmoción tras los asesinatos de Martin Luther King Jr. y Robert F. Kennedy, que convirtió el final del programa en algo mucho más grande que un simple show televisivo. El disco llegó al n.º 8 del Billboard 200, reforzando todavía más el regreso de Elvis

Es el disco con el que los Stones dejaron atrás su etapa más psicodélica y recuperaron un sonido más crudo, arraigado en el blues, el country blues y el rock de raíces. Es el último álbum completado con la formación original de Jagger, Richards, Jones, Wyman y Watts.

Lo más importante de For Once in My Life es que marca un paso muy claro en la evolución de Stevie Wonder: con 18 años, ya era una estrella de Motown, pero aquí empieza a asomar un Stevie con más peso como compositor y productor, no solo como intérprete

Llegó al número 1 en Estados Unidos, se mantuvo un total de siete semanas en la cima y generó tres singles consecutivos dentro del Top 5. También es clave porque marcó la llegada de David Clayton-Thomas como nuevo cantante tras la salida de Al Kooper, y ese cambio ayudó a hacer el sonido del grupo más accesible y más orientado al pop, sin dejar de mezclar rock, jazz y soul. Otro detalle importante es que se grabó en el mítico 30th Street Studio de Columbia, usando una de las primeras máquinas Ampex de 16 pistas, lo que dio mucha más flexibilidad para arreglos, sobregrabaciones y mezcla. Además, el álbum acabó ganando el Grammy al Álbum del Año en 1970 y fue certificado cuádruple platino en Estados Unidos, algo enorme para un disco de jazz-rock

Fue su primer álbum tras salir de Buffalo Springfield. Es un disco muy significativo porque ya deja ver varias de las cosas que luego serían muy Neil Young: un tono frágil, introspectivo, raro, arreglos a veces muy elaborados y esa mezcla entre canciones delicadas y otras más secas y eléctricas. Young no quedó satisfecho con la primera edición del disco, porque salió con el sistema Haeco-CSG, pensado para compatibilizar estéreo y mono pero que degradaba el sonido; por eso el álbum fue parcialmente remezclado y reeditado al año siguiente.

Hoy se considera una de las raíces esenciales de la Canterbury scene y uno de los discos que ayudaron a abrir el camino entre la psicodelia, el jazz rock y lo que luego sería buena parte del rock progresivo británico.

Lo más importante de S.F. Sorrow es que se considera de forma muy amplia uno de los primeros álbumes concebidos como rock opera, articulado alrededor de la vida del personaje Sebastian F. Sorrow. También fue un salto enorme para la banda porque dejó atrás el R&B más salvaje de sus primeros años y se metió de lleno en una psicodelia ambiciosa, narrativa y experimental, con sitar, mellotron, efectos de estudio y una construcción muy pensada de álbum completo. Otro dato importante es que el disco se retrasó varios meses y acabó saliendo cuando la psicodelia ya empezaba a perder fuelle frente a sonidos más de raíces, lo que ayudó a que no funcionara comercialmente como merecía. Parte de su leyenda viene justo de ahí: fue un disco adelantado y bastante ninguneado en su momento.

Es el álbum que definió la era de los cantautores.. Es uno de los álbumes más vendidos de todos los tiempos (más de 25 millones de copias). Mantuvo el récord del álbum de una artista femenina con más semanas consecutivas en el número 1 (15 semanas) durante más de 20 años. En 1972, hizo historia al ganar los "cuatro grandes" premios: Álbum del Año, Grabación del Año ("It's Too Late"), Canción del Año ("You've Got a Friend") y Mejor Interpretación Pop Femenina. James Taylor no solo grabó una versión de "You've Got a Friend", sino que también tocó la guitarra acústica en varias canciones de este disco

Incluye "I'm Eighteen", el himno adolescente que los sacó de la oscuridad y los llevó a las listas de éxitos. Fue el disco donde empezaron a usar el maquillaje negro corrido y los elementos de terror en el escenario (como la silla eléctrica). No fue solo un disco más; fue el momento en que dejaron de ser un grupo "raro" que hacía ruido para convertirse en los villanos favoritos del rock.. "I'm Eighteen": El himno de la angustia. Esta canción es la columna vertebral del disco. Capturó perfectamente la confusión de los jóvenes de la época (demasiado jóvenes para votar, pero lo suficiente para ir a la guerra). Fue un éxito masivo que incluso Johnny Rotten (Sex Pistols) usó más tarde en su audición, demostrando que este disco puso la semilla del punk. El nacimiento del "Shock Rock"

Representó una era de cambios profundos: fue el primer disco sin el fundador Brian Jones, el primero con el guitarrista Mick Taylor como miembro oficial y el debut de su propio sello discográfico. La Portada de Andy Warhol es quizás la carátula más famosa del rock. El diseño original incluía una cremallera real que se podía bajar para revelar ropa interior debajo En España, la censura de la dictadura de Franco prohibió esta portada y la sustituyó por una imagen de unos dedos saliendo de una lata de conservas. Este álbum marcó la primera aparición oficial del icónico logo de la lengua y los labios, diseñado por John Pasche (no por Warhol, como se cree a veces). Las letras son oscuras y directas, tratando abiertamente temas de drogadicción y sexo, especialmente en "Brown Sugar", "Sister Morphine" y "Wild Horses"

Bill Withers debutó en 1971 con una barbaridad de disco. Just As I Am mezclaba soul, calidez y una forma de cantar sin adornos ni postureo, como si te estuviera contando la verdad a la cara. Y encima traía “Ain’t No Sunshine” ue acabó convirtiéndose en una de las canciones más míticas del soul de todos los tiempos.

The Staple Singers llegaban en 1971 con soul, góspel y orgullo a flor de piel. The Staple Swingers fue el disco con el que empezaron a pegar fuerte de verdad, impulsados por “Respect Yourself”, un tema con mensaje, groove y mucha pegada que los puso a un paso de reventarlo del todo.

Este disco que cambió las reglas del soul. Fue uno de los primeros discos de música negra en concebirse como una sola obra cohesiva. Las canciones están conectadas (muchas se funden entre sí), narrando la perspectiva de un veterano de la guerra de Vietnam que regresa a casa y encuentra injusticia, pobreza y odio. Berry Gordy (jefe de Motown) se negó inicialmente a publicar la canción "What's Going On", calificándola de "la peor cosa que había escuchado". Gaye tuvo que hacer una huelga de grabación para forzar su lanzamiento. El disco aborda de forma valiente la ecología ("Mercy Mercy Me"), la adicción a las drogas ("Inner City Blues"), la guerra y la fe espiritual. Los Funk Brothers: La banda de sesión de Motown alcanzó aquí su cima creativa, con líneas de bajo icónicas de James Jamerson que dan al disco su sonido fluido y sofisticado

Es considerado por la crítica como el álbum definitivo de la confesión personal y uno de los mejores de la historia. oni Mitchell describió este disco diciendo: "No había ninguna defensa estructural... me sentía como la celofán de un paquete de cigarrillos". Sus letras son de una honestidad brutal sobre sus relaciones, sus miedos y su soledad. El sonido del disco está definido por el uso del dulcémele de los Apalaches (un instrumento de cuerda que toca en "A Case of You") y su estilo único al piano y la guitarra acústica. En el álbum participan James Taylor (guitarra), Stephen Stills (bajo y guitarra) y Sneaky Pete Kleinow (pedal steel).

Master of Reality hizo todo más pesado, más oscuro y más amenazante, como si el rock hubiese decidido bajar la persiana, encender un amplificador infernal y ponerse serio de una vez.

Es el disco que transformó el sonido del rock de estadio mediante el uso pionero de sintetizadores. Fue revolucionario por integrar el sintetizador VCS3 y el órgano Lowrey. En canciones como "Won't Get Fooled Again" y "Baba O'Riley", el sonido del sintetizador no es solo un adorno, sino la base rítmica de la canción. La Portada: Muestra a los miembros de la banda alejándose de un monolito de hormigón en el que parecen haber acabado de orinar. Es una referencia humorística y desafiante al monolito de la película 2001: Una odisea del espacio

La canción "Imagine" fue descrita por el propio Lennon como "virtualmente el Manifiesto Comunista", pero envuelta en una melodía de piano tan hermosa que fue aceptada por todo el mundo sin generar rechazo inmediato. El "Muro de Sonido" Suavizado: A diferencia del álbum anterior (Plastic Ono Band), que era crudo y casi desnudo, Spector aplicó una producción más elegante y comercial, con cuerdas y ecos que lo hicieron un éxito masivo. El disco contiene el ataque más directo de Lennon a su antiguo compañero en la canción "How Do You Sleep?". En las primeras ediciones del álbum, se incluía una postal de Lennon sujetando a un cerdo por las orejas, burlándose de la portada del disco Ram de McCartney. George tocó la guitarra en cinco de las diez canciones, incluyendo un solo de slide magistral en "How Do You Sleep?". En 2017, la Asociación Nacional de Editores de Música de EE. UU. otorgó finalmente crédito de co-autora a Yoko Ono para la canción "Imagine", cumpliendo un deseo que el propio Lennon expresó en entrevistas antes de morir

Es el álbum que dio el pistoletazo de salida al Glam Rock y convirtió a Marc Bolan en la primera superestrella británica tras la era de The Beatles.. Con este disco, Bolan abandonó definitivamente el folk hippie de sus inicios para abrazar las guitarras eléctricas con groove, purpurina y una estética andrógina. La "T. Rextasy": El éxito del álbum en el Reino Unido fue tan masivo que la prensa acuñó este término para compararlo con la "Beatlemanía". Fue el álbum más vendido de 1971 en Gran Bretaña. El sonido del disco es inconfundible gracias a los coros de Howard Kaylan y Mark Volman (del grupo The Turtles), que aportaron ese toque operístico y festivo. La Portada: Diseñada por el colectivo de arte Hipgnosis, muestra la silueta de Bolan frente a un amplificador Marshall gigante, convirtiéndose en una de las imágenes más icónicas de la historia del rock

Es la pieza que consolidó el soul cinematográfico y el mensaje de orgullo afroamericano tras su salida de The Impressions. Al igual que Marvin Gaye y Sly Stone ese mismo año, Mayfield tomó las riendas de su carrera. Al tener su propia discográfica (Curtom), pudo publicar letras con una carga política y social que otros sellos evitaban. El disco es famoso por su mezcla de arreglos de cuerda elegantes con ritmos funk hipnóticos y el uso magistral del pedal wah-wah en la guitarra, un sonido que definiría la década de los 70. El "Poder Negro" y la Positividad: A diferencia del tono sombrío de There's a Riot Goin' On de Sly Stone, Mayfield apostaba por un mensaje de empoderamiento, unidad y esperanza para la comunidad negra, aunque sin evitar la crítica social.

Serrat viajó a Italia para grabar en los estudios Fonit Cetra buscando un sonido más internacional y sofisticado. Allí, la mezcla de la canción de autor con arreglos de jazz y pop europeo resultó en una producción impecable. l álbum logra un equilibrio perfecto entre la profundidad poética y las historias de personajes comunes, como en "Lucía" (considerada una de las mejores canciones de amor en castellano) o "Tío Alberto". A pesar de la censura de la época, el disco fue un éxito rotundo, permaneciendo casi un año en las listas de los más vendidos y consolidando a Serrat como la voz de una generación a ambos lados del Atlántico.

Es el disco que marca el fin de su etapa de experimentación post-Syd Barrett y el nacimiento del sonido que los llevaría al estrellato mundial con The Dark Side of the Moon. Echoes de 23 minutos de duración es considerada la composición que definió la identidad sonora definitiva del grupo: épica, atmosférica y coral. Fue uno de los primeros discos donde explotaron la grabación en 16 pistas (en lugar de las 4 u 8 habituales), lo que les permitió crear capas de sonido mucho más complejas. A menudo confundida con un paisaje abstracto, la imagen de Hipgnosis es en realidad una oreja bajo el agua recibiendo ondas sonoras. Es una de las pocas portadas que a la banda no le terminó de convencer del todo. En la canción "Seamus", se puede escuchar al perro del guitarrista Steve Marriott (de Humble Pie) "cantando" junto a la banda. Además, en "Fearless", incluyeron una grabación de los aficionados del Liverpool FC cantando el himno "You'll Never Walk Alone".

Este álbum marcó un cambio radical respecto al sonido optimista y lleno de energía de sus éxitos anteriores como "Stand!" o "Everyday People". Mientras que John Lennon buscaba la paz con Imagine, Sly Stone reflejaba el desencanto, la paranoia y la turbulencia social de principios de los 70 en Estados Unidos. Fue uno de los primeros álbumes de éxito masivo en utilizar una caja de ritmos (drum machine), lo que le dio ese sonido hipnótico y denso. Sly Stone grabó gran parte del disco de forma aislada en su casa, sobregrabando capas de sonido hasta crear una atmósfera "turbia" y narcótica que influyó profundamente en el funk posterior y el hip-hop

Es el álbum donde Elton John dejó de ser un cantautor "folk" para convertirse en la fuerza teatral y barroca que conocemos. Aunque en su momento la crítica fue dura porque el disco era muy denso y orquestal, hoy se considera una de sus obras maestras. Es curioso, pero "Tiny Dancer" fue un fracaso comercial cuando salió como sencillo (en parte porque duraba más de 6 minutos, algo prohibido para la radio de la época). Sin embargo, con los años se convirtió en su canción más querida. Está dedicada a la primera esposa de Bernie Taupin, Maxine Feibelman.

Es el disco que definió el hard rock y el heavy metal para siempre. El álbum no tiene título, ni nombre de la banda, ni siquiera el logo de la discográfica en la portada original. En su lugar, aparecen cuatro símbolos (runas) elegidos por cada miembro de la banda. El de Jimmy Page, conocido como "Zoso", sigue siendo un icono del rock. La grabación de "When the Levee Breaks" es legendaria. Jimmy Page colocó a John Bonham y su batería en el hueco de una escalera de Headley Grange y situó los micrófonos varios pisos más arriba para conseguir ese sonido de eco natural y atronador que ha sido sampleado miles de veces (incluso por artistas de hip-hop como Beastie Boys). Las letras de Robert Plant en este disco están profundamente influenciadas por la mitología, el misticismo y la literatura fantástica (como El Señor de los Anillos en temas como "The Battle of Evermore" y "Misty Mountain Hop").

El disco que lo convirtió en la voz de la conciencia negra y en el "padre del hip-hop". Si Marvin Gaye y Curtis Mayfield estaban suavizando el mensaje con melodías soul, Gil Scott-Heron lo soltó con la fuerza de la poesía callejera y el jazz más puro. "The Revolution Will Not Be Televised": Es su canción más famosa y una de las más importantes del siglo XX. Es un poema recitado sobre una línea de bajo hipnótica que critica el consumismo y la pasividad ante la injusticia. Se considera el plano fundacional del rap.

A diferencia de su disco anterior (más guitarrero), este álbum está dominado por el piano, tocado magistralmente por Rick Wakeman (quien poco después se uniría a la banda Yes). Bowie incluyó canciones dedicadas a sus grandes influencias americanas: "Andy Warhol", "Song for Bob Dylan" y "Queen Bitch" (dedicada a Lou Reed y The Velvet Underground). La portada muestra a Bowie con una estética inspirada en las actrices de la era dorada de Hollywood (como Greta Garbo), marcando el inicio de su androginia icónica. La base de los Spiders from Mars: En este disco ya tocan Mick Ronson, Trevor Bolder y Mick Woodmansey, los músicos que al año siguiente le acompañarían en el legendario Ziggy Stardust.

Creadores: Música de Andrew Lloyd Webber y letras de Tim Rice. Aunque el álbum conceptual original se editó a finales de 1970 en el Reino Unido, fue en 1971 cuando el disco alcanzó el número 1 en las listas de Estados Unidos y se estrenó la obra en Broadway, desatando la locura mundial. Antes de ser una obra de teatro o una película, fue un álbum doble. Al no tener dinero para montarla en el escenario, los autores grabaron el disco para demostrar que funcionaba. Fue tal el éxito en las radios (especialmente en EE. UU.) que la demanda obligó a llevarla al teatro. En lugar de cantantes de musical tradicionales, utilizaron voces de rock puro. El papel de Jesús fue interpretado por Ian Gillan (cantante de Deep Purple), y el de Judas por Murray Head. La obra fue muy controvertida en su lanzamiento por humanizar la figura de Jesús y centrar la historia en el punto de vista de Judas Iscariote. En España, el álbum fue un éxito, pero la obra no se estrenaría (con Camilo Sesto) hasta 1975 debido a la censura. Mezcló de forma magistral una orquesta sinfónica completa con una banda de rock, pasajes de jazz y coros góspel, estableciendo el estándar para todas las óperas rock posteriores.

Es el nacimiento de los grandes eventos benéficos en la historia del rock, liderado por George Harrison. Fue el pionero que sentó las bases para eventos futuros como el Live Aid. Se organizó para recaudar fondos y concienciar sobre los refugiados de Pakistán Oriental (hoy Bangladés) tras un ciclón y una guerra civil. Harrison logró reunir en un mismo escenario a una alineación estelar: Bob Dylan (en su primera gran aparición tras años de retiro), Eric Clapton, Ringo Starr, Billy Preston, Leon Russell y el maestro del sitar Ravi Shankar. Aunque fue un éxito rotundo, los fondos recaudados quedaron bloqueados durante años en cuentas fiscales debido a problemas legales con la discográfica de los Beatles, lo que supuso un gran dolor de cabeza para Harrison. Bob Dylan no estaba seguro de actuar hasta el último momento. Su aparición acústica en la mitad del concierto interpretando clásicos como "A Hard Rain's A-Gonna Fall" es uno de los momentos más celebrados de la grabación